THE NEW YORKER

Eirini Giannakopoulou – Stefano Carera – Hilario Isola – Matteo Norzi 

interview by Alessandro Orsini (NY CityVision Juror)

AO: Come avete formato il vostro team? Qual è l’idea che sta alla base della fusione tra architettura, arte e diverse discipline? 

W: Dopo decenni di distanza, arte e architettura sembrano di nuovo essere discipline capaci di ispirare profondamente l’un l’altra. La proposta del concorso è nata dallo sforzo congiunto di un duo che collabora nel campo dell’arte contemporanea, Isola e Norzi, insieme ad una coppia di architetti SCEG. Le idee alla base del progetto sono state sviluppate come in una sorta di gioco di ruolo. Gli artisti erano lì per prevedere lo scenario, gli architetti avrebbero cercato di trovare soluzioni. Ma come spesso accade quando in un gruppo ci si diverte a lavorare insieme, non c’è bisogno di giocare secondo le regole e i ruoli assegnati possono essere scambiati. Come per il tema della Biennale 2012, alla base del progetto vi è un terreno comune di dialogo e di partecipazione. È fondamentale considerare i punti di vista opposti e affrontare questioni diverse e complesse, quando si tratta di pianificazione urbana o land–art.

AO: Qual è stato il processo generativo del progetto? Riesco a immaginare il team che si scambia le idee durante la notte in qualche magazzino di Kent Avenue, come un semplice colloquio tra le diverse persone che compongono il team…. 

W: Sì, esattamente! Come tanti altri europei, alcuni dei componenti del nostro team si sono spostati a Brooklyn, qualche anno fa. Abbiamo il privilegio di assistere allo spettacolo dello skyline di Manhattan, tutti i giorni solo attraverso la finestra del nostro studio su Kent Av, tuttavia NYC appare ancora sconcertante se non imperscrutabile, eppur così affascinante. Il processo generativo del progetto è avvenuto attraverso settimanali call conference su skype, ma è stato durante un week–end nel Mediterraneo, tutti insieme intorno a un tavolo da pranzo con alcune bottiglie di vino, che le tavole finali hanno preso vita. Anche in questo caso è essenziale essere in grado di cambiare schizofrenicamente punto di vista, cercare di immaginare e immaginare un ambiente visionario…

AO: Le tavole erano molto affascinanti…. A me il lavoro è apparso come quello di un architetto che appena finito il suo capolavoro ha deciso di andare in pensione, componendo l’ultima scena al tavolo da disegno. Qual è stato il ruolo del lavoro di Saul Steinberg nella parte finale del lavoro grafico? 

W: Saul Steinberg è rinomato per i disegni che sono apparsi su The New Yorker per quasi sei decenni. Non molte persone ricordano che si è laureato in Architettura al Politecnico di Milano nel 1940, e sicuramente la vasta gamma del suo lavoro è ancora molto da riscoprire. Era un modernista senza portafoglio, costantemente impegnato nell’attraversare i confini di un territorio visivo inesplorato. Attraverso tali cambiamenti di significato, i disegni di Steinberg sono stati per noi qualcosa di simile a un manuale, una guida, un bestiario di interpretazione dei newyorkesi, dal battere a macchina agli errori di ortografia. Inoltre, in un altro suo famoso disegno, appare un uomo che traccia una grande spirale. Ma nel momento in cui la spirale si muove verso il basso, si trasforma in piede destro, piede sinistro, poi nel contorno di un corpo, fino a giungere alla mano che impugna la matita che sta disegnando la linea. Questo emblema di un disegnatore nell’atto di generare se stesso dalla sua linea incarna un principio fondamentale del lavoro di Steinberg: la sua arte esprime il modo in cui gli artisti creano la loro arte e gli architetti l’architettura. Ogni volta che ci troviamo di fronte l’horror vacui di un A4 bianco sul quale disegnare una nuova idea, riteniamo ci sia bisogno di questa introspezione. Steinberg non rappresentava ciò che vedeva, anzi, rappresentava le persone, i luoghi e anche i numeri o le parole prese in prestito da stili d’arte, alta e bassa, passato e presente, come mezzi per esplorare i sistemi sociali e politici, le manie umane, la geografia, l’architettura, il linguaggio e, naturalmente, l’arte stessa. È per questo che abbiamo preso in prestito il suo tavolo da disegno per comporre le nostre tavole per un concorso che richiedeva una visione sul futuro di New York City ed è quindi stato il concorso stesso a rendere omaggio al suo genio.

AO: Sulle tavole mostrate un’altra epoca, se così si può dire: strumenti da disegno. Quali sono gli strumenti di progettazione utilizzati nella vostra professione? 

Il progetto è stato realizzato interamente in digitale? 

W: Abbiamo fortemente voluto prendere le distanze da qualsiasi tipo di sci–fi immaginario legato a New York. Tutto è digitale al giorno d’oggi, ma l’estetica della modellazione 3d sembrava inadeguata a sostenere la nostra proposta utopica e astratta. Abbiamo sentito il bisogno di esprimere qualcosa sull’identità di New York, attraverso il passato (citando Steinberg), il presente (il nostro studio) e il futuro (la visione) a livello di continuità, in cui l’uso di ironia e semplici strumenti da disegno avrebbero aiutato la comunicazione di una versione meno terrificante di quello che ci si aspetta per la metropoli e l’ambiente.